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8.573298 - BALADA, L.: Symphony No. 6 / Concerto for 3 Cellos and Orchestra / Steel Symphony (López-Cobos, Jensen)
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Leonardo Balada (nacido en 1933)
Sinfonía No. 6 ‘Sinfonía de las Penas’ • Concierto para Tres Violoncelos y Orquesta ‘Concierto Alemán’ • Sinfonía del Acero

 

Hay quien me ha calificado de “vanguardista romántico” por la intensidad emocional que imparto en algunas de mis composiciones a la vez del uso de técnicas de la vanguardia. Cierto es que siento una afinidad por eventos históricos que me inspiran a expresar lo mas intimo y subjetivo en términos sonoros. Para mí la lucha fratricida de un pueblo- el español en su guerra civil- y el enderezo del pueblo alemán-tras su catástrofe en las dos guerra mundiales y subsecuente recuperación- representan dos hechos únicos en el siglo pasado. De ahí la Sinfonía No. 6 y el Concierto para Tres Violoncelos y Orquesta ambas obras en este CD.

También figuran en mi producción temas trascendentales, como la muerte, sobre cuyo tema compuse la cantata No-res (Nothing) (Naxos 8.557343), una protesta contra la muerte. También como tema transcendental tengo la ópera La Resurrección de Colón en la que se debate la imperfecta creación de Dios y su posible segunda creación hacia algo mejor.

En la cantata María Sabina (Naxos 8.570425) se explora la tragedia de una india mejicana condenada por su pueblo y en Sinfonía en Negro: Homenaje a Martin Lutero King (Naxos 8.573047) se explora la liberación del pueblo negro de la esclavitud americana. El tema antibélico inspira Guernica (Naxos 8.557342) y Symphony No. 5 ‘American’ (Naxos 8.557749).

La tercera composición en este CD, Steel Symphony (Sinfonía del Acero), no presenta una ideología, pero es un homenaje a los obreros en las inhumanas fundiciones de acero.

Sin embargo no hay que pensar que todas mis obras tengan una inspiración extra musical. Mis numerosos conciertos para solistas y orquesta-varios para piano, para guitarra, violoncelo, clarinete, violín, viola, bandoneón etc.- son estrictamente abstractos.

Sinfonía No. 6 ‘Sinfonía de las Penas’ (2005)
(Dedicado a las Víctimas Inocentes de la Guerra Civil Española)

El catastrófico evento de la Guerra Civil Española (1936–39) se puede medir con dos barómetros: una encarnizada lucha bélica a ultranza entre un pueblo dividido y la tragedia humana consecuente. Ambos lados fueron perdedores, incluso los que vencieron.

En Sinfonía No. 6 se pretende crear un retrato musical de aquellos dos aspectos de la guerra en su aspecto psicológico y en consecuencia se revelan tensiones sonoras que llevan a desenlaces fulminantes y también a lamentos íntimos. Nada hay de programático ni partidista en la sinfonía. La tragedia de la guerra resuena por ambas partes como una erupción volcánica y como un dramático sollozo ocasionado por fuego propio.

Como elementos musicales se hace uso de dos himnos, presentados generalmente de manera poco obvia e incompleta: el Himno de Riego que identificó al lado republicano, y Cara al Sol que identificó el lado sublevado franquista. Además, un intervalo melódico de dos notas aparece obsesivamente a lo largo de la obra, que en su simpleza clama angustia. Presente están también ritmos marciales de guerra.

La sinfonía, en un solo movimiento, hace uso de técnicas vanguardistas en simbiosis con elementos melódicos de índole tradicional, estilo compositivo que inicié en 1968 con Sinfonía en Negro: Homenaje a Martin Luther King y principalmente en Homenajes a Casals y Sarasate (1975). La obra fue terminada en abril de 2005 compuesta por encargo de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña. Su estreno tuvo lugar el 26 de febrero 2006 dirigido por Salvador Mas. El estreno de la obra en EE.UU. tuvo lugar en noviembre 2013 por la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh dirigida por Rafael Frühbeck de Burgos.

Concierto para Tres Violoncelos y Orquesta ‘Concierto Alemán’ (2006)

Este concierto, en un sólo movimiento, consta de tres secciones y su duración es aproximadamente de 23 minutos. La composición utiliza como tema principal la famosa canción alemana Die Moorsoldaten compuesta en 1933 por un anónimo prisionera político en un campo de concentración alemán. Más tarde la canción fue llevada a España por los voluntarios alemanes que fueron a luchar contra las fuerzas de Franco durante la Guerra Civil Española (1936–39). La forma del concierto es evolutiva y refleja la historia de la Alemania del siglo XX, con su drama y tragedia de las dos guerras mundiales primero y la elevación triunfal de su espíritu después. Al comienzo la obra es muy abstracta y modernista. Al principio la melodía alemana es presentada por los tres violoncelos en su registro agudísimo y de forma poco evidente. Es como un lamento, un sollozo, mientras la orquesta es agresiva y dramática. A lo largo de las dos primeras secciones acontece una lenta evolución de las ideas hacia algo más optimista mientras la melodía se hace obvia. Hacia el final de la segunda sección esa evolución llega a una tercera sección que es optimista y presenta las brillantes sonoridades y ritmos de un “marsch” en donde los metales y maderas imitan los sonidos del acordeón. A lo largo de la composición los tres solistas han contrastado lo lírico con el virtuosismo, a veces en equipo otras veces individualmente. El concierto presenta una transformación técnica y emotiva casi surrealista, de lo abstracto a lo étnico, de los triste y trágico a lo positivo y brillante. Esta forma de transformación surrealista la he estado practicando desde 1975 cuando compuse la obra orquestal Homenaje a Casals. En este caso igualmente, las técnicas vanguardistas se unen a ideas folklóricas tradicionales. Este concierto fue terminado en junio de 2006.

Steel Symphony (Sinfonía del Acero) (1972)

Recién llegado a la “Steel City” (“La Ciudad del Acero”) me quedé impresionado por la enorme cantidad de fundiciones del acero que existían en la ciudad, Pittsburgh y sus alrededores. Pronto decidí componer una sinfonía que reflejase algunos de los sonidos que se escuchaban en estas fábricas. Cada una de estas fundiciones parecía tener su propio ritmo y vibraciones. La variedad de las pulsaciones rítmicas eran de especial interés para mi proyecto. Los ruidos producidos por las máquinas de producción estimularon mi imaginación y de allí salieron motivos musicales. A pesar de estos sonidos –ruidosonomatopéyicos, Steel Symphony no es una obra programática; su propósito y forma es puramente abstracto sin connotaciones extra-musicales. Resumiendo, la sinfonía no intenta imitar los sonidos escuchados en las fábricas de manera realista, una grabación de ellos hubiera sido más real. Mi propósito era reflejar las sonoridades de las fundiciones de manera sofisticada pero con drama y poesía.

La Steel Symphony no tiene un comienzo en el sentido estricto y tradicional. Los músicos afinan los instrumentos de manera habitual y ello sirve de puente hacia los primeros compases de la obra sobre un ostinato. La sinfonía es un continuo sin melodía pero de gran concentración poli rítmica. Los ritmos son bruscos y se mueven sobre masas de sonoridades disonantes. Estos sonidos son como una máquina, impersonales, estáticos como una enorme escultura. Es un monumento a la gran industria que llevó la revolución industrial a su cumbre y a los hombres cuyo esfuerzo lo hizo posible. El final de la sinfonía sugiere la pulsación rítmica de una fundición del acero. Pero pronto todo retorna a un simple unísono cuando la masa sonora se filtra a una simple nota.

Steel Symphony está dedicada a los obreros del mundo de la industria del acero. Se estrenó en 1973 por la Pittsburgh Symphony Orchestra dirigida por Donald Johanos y Lorin Maazel grabó la obra para el sello New World Records.


Leonardo Balada


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